Por Torrescof

A lo largo del tiempo, la producción artística ha estado condicionada por los materiales utilizados durante determinados momentos. Desde una perspectiva sociológica, la selección de técnicas y materiales impactan a nivel simbólico, cultural, económico y político. Por lo tanto, al hablar de luz en el arte, es importante situarla en su contexto histórico para emitir un juicio, ya que ha atravesado una evolución desde su uso funcional y simbólico hasta convertirse en un medio fundamental para la práctica artística contemporánea.

En el capítulo “From Baroque to Bauhaus: a short history of light art” del libro Between Dark & Light, escrito por los artistas de luz Ruth Medermott y Ben Baxter, se menciona la relevancia de la luz a través de la historia. Durante la época preindustrial en Occidente, la escasez de luz simbolizaba un temor hacia la oscuridad, puesto que, a través de la plataforma epistemológica judeocristiana se asociaba la noche con la aparición de espíritus malignos de los cuales se debía huir. Bajo este contexto, la arquitectura que creaba espacios sagrados también priorizaba la iluminación mediante el uso de mosaicos, vitrales y oro.

Por otro lado, debido a la escasez de luz, esta se convirtió en un material privilegiado para ciertas clases sociales, distinguiendo tanto a las instituciones como a las personas que tenían acceso a ella. Esto inspiró a los artesanos a crear espacios y objetos que produjeran efectos luminosos.

Sin embargo, durante la Reforma ocurrió un cambio significativo respecto al uso de la luz y los materiales destinados a la realeza y a la iglesia, cuyos fines se adaptaban para usos seculares. La luz pasó a ser la protagonista del espacio público y de los espectáculos, donde los fuegos artificiales, los teatros iluminados y otro tipo de entretenimiento abarcaron las festividades que ocurrían al atardecer, pero seguían marcando una clara distinción entre aquellos que demostraban su poder por medio de la iluminación.

A principios del siglo XIX en Gran Bretaña, la iluminación a gas se dio a conocer para posteriormente, expandirse por el resto de Europa y por supuesto, por América. Este acontecimiento contribuyó a la importancia de la vida nocturna de la ciudad que ahora estaba al alcance de la mayoría de las personas, pues proporcionó seguridad e incrementó la economía de las ciudades gracias a la aparición de los escaparates y las vitrinas en el espacio público. 

Durante el siglo XX, el acceso a la luz en los países desarrollados comenzó a expandirse no solo de manera funcional, sino también a través del ocio, como la televisión, la computadora y el teléfono móvil. A finales del siglo XX y a principios del siglo XXI, la luz ha alcanzado un nuevo nivel de relevancia en cuanto al entretenimiento. Los festivales de luz, que transforman lo efímero en experiencias lumínicas, y el light art han alentado a los artistas a desarrollar obras que impacten al espectador desde la experimentación con el material y el espacio público. No obstante, al tratarse de eventos nocturnos que solo pueden ser apreciados en persona y dadas las condiciones económicas del mundo globalizado, los festivales de luz fomentan el consumo y el turismo en las ciudades, además de ofrecer experiencias inmersivas únicas.  

Ahora bien, respecto a la noción del light art, distintos académicos, escritores, curadores y artistas le han otorgado diversos significados y, debido a las transformaciones e innovaciones artísticas, no ha sido posible determinarla con un solo concepto. Sin embargo, R. Medermott y B. Baxter mencionan en su libro que, a partir de la creación de la máquina cinética que arroja sombras y releja luz, el Light-Space Modulator del artista húngaro László Moholy-Nagy en 1930, fue de las primeras obras modernas que utilizaron la luz como medio. Asimismo, la experimentación con diferentes materiales y tecnologías implementadas por artistas, como los trazos en el aire de luces de neón del argentino-italiano Lucio Fontana o las intervenciones textuales de Jenny Holzer en el espacio público.

Finalmente, en la década de los 60’s, la luz se convirtió en un medio de experimentación para varios artistas de la época. Un ejemplo destacado es Dan Flavin, quien, a partir de sus esculturas de luz fluorescente, revolucionó la manera de intervenir el espacio mediante el arte conceptual y el uso de la luz como un material autónomo capaz de producir afectos sensoriales. Artistas como James Turrell, Robert Irwin y Doug Wheeler emplearon la luz como herramienta fundamental para sus obras.

A partir de ese momento, los discursos del arte se transformaron al priorizar el medio, la percepción del espacio y la experiencia sensorial del espectador. Además de implementar nuevas tecnologías que permiten intervenir el espacio público, monumentos y la arquitectura, lo que, en determinados momentos históricos, ha tenido repercusiones en la distinción social, económica y cultural con relación al uso y la función de la luz. 

En este diálogo entre el presente y el pasado histórico, el arte permite generar discursos y pensamiento crítico sobre problemáticas que la experiencia humana enfrenta desde la sensibilidad, los afectos corporales y, por supuesto, las condiciones materiales que rigen la producción artística. En este sentido, el light art posibilita la transformación del espacio no solo museístico, sino también el urbano y la oscuridad de la noche, extendiendo su alcance a todo el público que transite las ciudades donde se celebran los festivales efímeros de luz. 

Referencias

McDermott, R., & Baxter, B. (2022). A short history of light art: From Baroque to Bauhaus. En Between Dark & Light: The light art of Ruth McDermott & Ben Baxter (pp. 4-11).