Durante el siglo XVI, en el tránsito del Renacimiento al Barroco europeo, el claroscuro se consolidó como una técnica definida por el contraste entre luz y sombra que los artistas empleaban en sus obras. Caravaggio, por supuesto, llevó este método a una mayor intensidad en sus fondos oscuros, de los que emergen cuerpos intensamente iluminados. Podría decirse que, desde una intención dramática, la iluminación provoca una teatralidad en la imagen, donde la luz dirige la mirada y tensiona la escena. El concepto del claroscuro es retomado en la exposición Clair-obscur de la Bourse de Commerce en París (espacio restaurado por Tadao Ando), cuya curaduría de Emma Lavigne reúne cerca de un centenar de obras de la Colección Pinault.
Clair-obscur reconfigura la materialidad de la luz a través de múltiples perspectivas, inscribiéndose en un campo de reflexión filosófica y existencial que cuestiona la sombra del inconsciente. En este sentido, la exposición dispone de distintas secciones en las que la pintura, la instalación, la escultura y el video operan como un lenguaje visual y simbólico para pensar la finitud de la experiencia humana.
A continuación, se presentan algunas de las obras mostradas en la exposición:
Bajo la cúpula de la rotonda se encuentra la videoinstalación Camata (2024) de Pierre Huyghe, filmada en el desierto de Atacama, en Chile, a partir de su interés por el estudio de los planetas fuera del sistema solar y la posibilidad de existencia de vida. Es decir, los límites entre la vida y la muerte, la noche y el día, lo humano y lo no humano se interpretan en forma de un ritual tecnológico y arcaico que ocurre mediante el desplazamiento de una máquina con extremidades alimentados por energía solar alrededor de un esqueleto no enterrado, tendido en el suelo.
La coreografía captura un movimiento lento y preciso, como una autopsia. En la imagen se aprecia el gesto de una ceremonia metafísica y funeraria, debido a la manipulación de esferas de vidrio y amuletos, en alusión al lugar que ocupa la humanidad en el mundo en constante transformación tecnológica.
El interés por la filosofía de Karl Jaspers en The Origin and Meaning of History (1949) llevó a Sigmar Polke a replantear el periodo axial –entre el 800 a.C. y el 200 a.C.– como una etapa abundante en vitalidad intelectual y espiritual. En su serie Axial Age (2005-2007), el artista cuestiona la espiritualidad en el mundo contemporáneo a través de nueve paneles dorados que oscilan entre lo traslúcido de la tela y la opacidad de la sombra, en contraste entre el presente y el pasado, configurando un espacio sagrado cuya luminosidad sugiere una edad perdida en el tiempo.
Asimismo, la obra aborda la trascendencia de la materia mediante el uso de la luz y de pigmentos violetas en tonalidades opacas y luminosas, a partir de materiales como la hoja de oro, el lapislázuli y la malaquita, que coexisten con acrílico y resinas artificiales, generando un organismo vivo que evoluciona con el paso del tiempo. De este modo, los componentes iconográficos conviven entre distintos contextos históricos, cuestionando, como en la práctica de Polke, la superficie de la representación.
El dorado se convirtió en su color emblemático, a partir de su estudio e interés por la espiritualidad, mediante el cual aborda lo sublime, lo sagrado y lo trascendental en su obra. Byars is Elephant (1997) es una instalación de James Lee Byars, conformada por distintas piezas que conforman un mausoleo de luz. Un cilindro recubierto en hoja de oro ilumina el espacio, siendo Golden Tower la conexión entre la tierra y el cielo.
Entre las demás piezas, como la esfera compuesta por 3,333 rosas rojas y el clavo montado sobre una caja de caoba, se explora el estatuto del objeto como reliquia portadora de un aura simbólica, susceptible de fetichización y atravesada por la finitud. Finalmente, su obra concebida antes de morir consiste en una esfera de cuerda de pelo de camello montada sobre un pedestal en el centro de la sala, dispuesta sobre una seda dorada que cubre el muro y el suelo, evocando el oro de los faraones de El Cairo y aludiendo a la tumba como metáfora, objeto de culto y escenificación de su propio final.
En conjunto, esta amplia muestra abarca una diversidad de técnicas y formatos que problematizan distintas formas de ver y pensar el claroscuro desde la espiritualidad y la conciencia de la finitud humana en el planeta. La exposición se presenta en la Bourse de Commerce hasta el 24 de agosto de 2026.
